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  为庆祝大都会艺术博物馆创建150周年，本次展览展出超过250件最具代表性的藏品，几乎涵盖馆藏中所有的艺术类型，呈现人类5000年艺术史。本次展览将分初创时期、艺术为大众、奢华之愿、考古收藏、国家叙事、收藏愿景、理解现代主义、破碎的历史、建馆百年、广阔视野，共十个单元进行呈现。此外，展览还将借助档案资料和沉浸式装置，回顾博物馆的历史，重申收藏使命并展望未来愿景。

  「观察」是中国书画艺术的传习核心，在古代，人们通过临摹来学习书画，这样的形式尤为考验细节观察能力。在临摹的过程中，练习者逐渐学会怎么样分辨墨汁的饱和度、线条的细微差别，成为书画家需要长达十余年甚至数十年的磨练。

  本次展览即以「观察」为主题，展出大都会艺术博物馆收藏的中国古代书画，同时陈列作品的局部放大图片，揭示一些难以发现的笔法与线条细节，为参观者提供「超近距离观察」的体验。

  展览展出一批1960年代左右的绘画作品，以色域绘画、几何抽象主义和硬边绘画为代表，探索非具象艺术在1960至1970年代的复杂发展过程，呈现20世纪绘画艺术的多元视野，同时反映古根海姆博物馆在这一时期的艺术参与。

  1960年代，一群前卫艺术家开始探索抽象艺术新的发展趋势，从而衍生出与50年代抽象表现主义截然不同的艺术风格。例如 Helen Frankenthaler 用丙烯酸浸透棉帆布，Morris Louis 在画布上浇灌、喷涂颜料，Alma Thomas 在创作中运用色彩理论，部分艺术家则借助光学理论诠释「形式」与「色彩」之间的关系。

  展览以「极简抽象」（Minimal Abstraction）为主题，展出多名抽象画家作品，以此回顾1960-1970年代抽象艺术家对作品表现形式的探索与尝试。

  1960-1970年代，一批抽象艺术家尝试摆脱复杂的构图与色彩，转而以极简的表现形式呈现创作媒介与作品之间的相互作用。无论是用多支笔刷在画纸上留下层叠的笔触、或是用铅笔在颜料未干的画布上作画、或是在纸上反复留下大头针的痕迹，最终的作品都能反映出艺术家的创作时间与节奏。

  展览展出馆藏的超过50件时装与配饰作品，分5个单元探索18世纪迄今「时尚」与「权力」的复杂关系。时尚的象征性力量与穿着者的政治、经济和社会地位紧密关联，亦受到多种文化因素影响。

  展览第一单元以「军事」为主题，展出美国军队服装和包含军事元素的时装作品。军人是国家力量的个体象征，整齐划一的轮廓、颜色、面料在视觉上宣告了军队的权威。第二部分回顾过去250年来的奢华时装，从「炫耀性消费」的角度理解奢侈服饰如何彰显人们的身份地位。

  巴黎无畏约翰楼举办中世纪餐饮文化展，通过油画、图示说明、文物及现场还原，呈现中世纪的饮食和餐桌文化。

  中世纪的餐饮习俗既体现着用餐者的阶级地位，也遵循着当时严格的文化规则。在贵族阶层，人们按照社会地位落座，每人各自拥有一只餐盘及刀具。酒水的数量、餐盘的外观和小吃的质量均是主人财富的直接体现。

  与此同时，中世纪的餐桌也受到来自世俗及宗教文化的约束。人们被要求节制饮食，不得陷入「七宗罪」中的第一原罪「暴食」之中。

  巴黎巴黎镀金门宫（Palais de la Porte Dorée）举办法国时尚设计师 Christian Louboutin 展，以多件代表作品和珍贵藏品呈现其多面向的灵感来源与创作风格。

  Christian Louboutin 是法国著名高跟鞋设计师，创有同名高跟鞋品牌，凭借标志性的红底高跟鞋而广受推崇。

  自从事设计伊始，Louboutin 始终热爱在作品中加入来自不同艺术流派和文化的图案和色彩元素。他的设计以大胆、鲜艳、开放著称，这无不源自于他对旅游的热爱以及从世界各地流行文化、戏剧、舞蹈、文学和电影中汲取的灵感。

  为展示 Christian Louboutin 的灵感来源和创意过程，本展将以鞋履作品为核心，集中展示一批珍贵艺术作品。展品部分来自 Louboutin 的私人收藏，部分则由多家艺术场馆借展，其中一些展品从未公开展出。

  展览由巴黎装饰艺术博物馆与巴黎大学联合会共同举办，纪念女性收藏家、慈善家维斯康蒂侯爵夫人（Marquise Arconati Visconti，1840-1923）的传奇生平与丰富收藏。

  维斯康蒂侯爵夫人是意大利最富有的贵族之一维斯康蒂侯爵的遗孀，在丈夫不幸患病早逝后定居巴黎。她在家中开设文学与艺术沙龙，与多位艺术家、文人学者、设计师保持往来，收藏了大量珍贵艺术品，也出资赞助了法国多所教育机构。

  维斯康蒂侯爵夫人的艺术收藏覆盖面广泛，从中世纪、文艺复兴时期到19世纪，包含油画、雕塑、家具、装饰艺术品等。在她逝世后，这些藏品被捐献给法国多家美术馆，巴黎装饰艺术博物馆是获赠最多的机构之一。

  本展将以装饰艺术博物馆藏为基础，辅以其他机构借展品，共计展出约100件艺术品。

  这是保加利亚出生的法国艺术家克里斯托（Christo）和已故的妻子珍妮·克劳德（Jeanne-Claude）1958年至1964年，住在凯旋门附近构思的创作理念。蓬皮杜国家文化艺术中心将举办这个二人艺术组合在法国的首场机构展览，着重关注他们在法国首都度过的岁月。例如受到艺术家让·杜布菲（Jean Dubuffet）影响的系列作《火山口》（Cratère ，1959-61）等以前从未面世的作品将在此次悉数展出。此外，展览还重点聚焦新桥（Pont Neuf）项目，该建筑物与柏林的德国国会大厦（Reichstag）一样，是被这对夫妇用布覆盖的著名地标之一。

  展览展出近350件艺术品，辅以相关照片及文献，呈现1867-1937年凡尔赛宫的修复工程，以及它如何化身为欧洲文艺界的焦点。这一时期的凡尔赛宫是法国议会所在地、政府接待外宾的场所，亦是广受欢迎的旅游地，不断成为经典文学、音乐和绘画作品的主角。

  早在拿破仑时代，凡尔赛宫就开始获得文艺界的关注，至19世纪末达到高峰，来自欧洲各国的画家、雕塑家、文学家、音乐家、设计师和摄影师聚集在这里，在良辰美景之间获得灵感，并以绘画、雕塑、诗歌、小说、歌剧、照片、电影等形式赞颂凡尔赛宫的美丽。1937年，凡尔赛宫的年参观人数首次突破100万。

  随着知名度的提升，凡尔赛宫也开启了大规模的修复计划。这座宫殿始建于17世纪，经过法国大革命及普法战争，原有的建筑毁损严重。在法国学者 Pierre de Nolhac 的努力下，宫殿建筑、内饰、家具、藏品、花园等获得全面修复，重现昔日的辉煌。

  本次展览精选了苏拉热从1946年至今的作品，向观者展示七十多年来该艺术家作品和风格的成长和蜕变。这些作品来自法国国内外各大博物馆，涵盖了该艺术家艺术生涯中的每一个时期，让观者见证其风格的成长，及多样。您还能在展览中看到苏拉热近几个月所作的巨幅作品，感受这位不断探索、不断研究成长的艺术家活力和惊人的创作力。

  此次展览既证明了该艺术家理念和作品风格的延续性，也证明了在不同的时刻，他仅仅使用单一的色彩，通过叠加和刮擦使得画面产生了不同的纹理感和反光感，然后通过光来增加这些不同地方的对比度，使得整个画面看起来充满着层次感。

  布朗利河岸博物馆举办太平洋原住民艺术家 Somuk 作品展，与联合国教科文组织「原住民语言之年」活动合作，呈现太平洋地区最早、最原始的现代艺术。

  Somuk 是20世纪30年代所罗门半岛以北的一位部落首领兼艺术家。二战期间，他的作品被神父 Patrick O’Reilly 撰文介绍，引起法国知识界的注意和追捧，但时至今日已鲜少被提及。

  结合新近入藏的一批 O’Reilly 摄影作品，布朗利河岸博物馆将再次呈现 Somuk 的系列画作，并结合文化语境展开新的诠释。

  展览分为三部分：第一部分致敬 Somuk 出生和成长的布干维尔岛及其文化；第二部分探索 Somuk 作品的独特性和文化意义；第三部分则展出受 Somuk 影响的当代艺术作品。

  展览展出5幅意大利画家拉斐尔（Raphael）的「圣母玛利亚」主题油画，呈现柏林多家博物馆对拉斐尔作品的收藏历史，以及他的艺术成就。该展是为了纪念2020年拉斐尔逝世500周年而举办，亦是这5幅画作首次共同展出。

  《手持康乃馨的圣母玛利亚》完成于1507年，描绘了玛利亚将粉色康乃馨递给圣子耶稣的场景。康乃馨的学名为「石竹」，在希腊语中意为「上帝之花」。这幅画作是英国国家美术馆的重要馆藏之一，为迄今首次在海外展出。

  为配合画廊博物馆「拉斐尔的圣母玛利亚」特展，版画素描博物馆将呈现拉斐尔的约100件素描作品，辅以少量由其老师、学生和同时代画家创作的作品，以纪念这位文艺复兴艺术家逝世500周年。

  版画素描博物馆拥有大批拉斐尔的亲笔素描，涵盖了他短暂艺术生涯的各个阶段，能够直观地展现这位艺术家的创作历程。透过这些素描，参观者得以窥探拉斐尔的内心世界，了解他创作思路的发展变化，从细节中领略拉斐尔作品的独特魅力。

  展览展出德国女性版画家凯绥·珂勒惠支（Käthe Kollwitz）的约20幅版画与素描，部分为首次公开亮相的私人收藏。这些作品以「母与子」为主题，通过充满爱与关怀的女性视角，描绘母亲与孩子的亲密关系。

  终其一生，凯绥·珂勒惠支（1867-1945）都是一位细心的观察者，通过日记和素描的方式记录日常生活中遇到的人与事。她对「母与子」这一主题尤为感兴趣，她不厌其烦地观察母亲与孩子之间的互动，用饱含爱意的笔触描摹生动活泼的画面。

  珂勒惠支也是一名社会主义者，见证了19世纪末至20世纪初欧洲社会的尖锐矛盾，1914年她的小儿子在第一次世界大战中阵亡，她由此创作了大量「悲伤的母亲」主题作品，鲁迅称之为「她以深广的慈母之爱，为一切被侮辱和损害者悲哀，抗议，愤怒，斗争。」

  展览将展出20张电影海报，时间可追溯至电影发展的最初40年。这批海报在德国 Grasleben 市一个盐矿被发现，曾在火灾中被部分烧毁，后由文物工作者进行修复。

  这批海报推测属于纳粹政府，1944年被运往德国 Grasleben 市一个盐矿藏匿。二战结束前夕，这座盐矿曾发生火灾，这批海报因被包裹在大量文献中而未严重损毁。

  展览以“女性艺术”和“超现实主义”为主题，展出全球34位女艺术家的约260件代表性作品，涵盖油画、雕塑、摄影和视频作品等，呈现女性艺术家在超现实主义领域的成就。图为墨西哥女画家#弗里达·卡罗（Frida Kahlo）1940年完成的油画《戴荆棘和蜂鸟项链的自画像》正在展出。

  本次展览由柏林国家博物馆和科隆罗马-日耳曼博物馆（Römisch-Germanisches Museum）联合举办，展出德国收藏家 Johannes von Diergardt 收藏的欧洲早期贵重服饰，这是1934年迄今该收藏首次回到柏林展出。

  Johannes von Diergardt（1859-1934）是一位德国贵族，他收藏了许多欧洲早期的文物与艺术品，并在1906年将部分藏品借给柏林新博物馆进行展出。1930年代，von Diergardt 计划出售他的收藏，但在柏林新博物馆决定出价前他突然逝世，他的家人将藏品出售给科隆市，成为后来的罗马-日耳曼博物馆。

  2017年，罗马-日耳曼博物馆闭馆进行翻修，柏林新博物馆得以再次展出 von Diergardt 的收藏。收藏中包括来自西欧地区如法国、意大利、西班牙、德国，以及东欧黑海沿岸的贵重首饰，涵盖了自公元前至7世纪欧洲出现的许多文明。

  「刻赤王冠」出土于克里米亚半岛东岸的刻赤市（Kerch），是克里米亚最古老的城市之一，约公元前7世纪时由希腊人建城，命名为「Panticapaeum」，由于优越的地理位置快速地发展为半岛上最繁荣的城市。

  展览展出美国女摄影师 Linda McCartney 的250张宝丽来相片，展现她作为摄影师的洞察力与抓拍天赋。

  她以拍摄知名人物肖像而闻名，曾被评为「1967年度美国摄影师」，1968年成为首名为《滚石》杂志拍摄封面的女摄影师。

  本次展出的250张宝丽来相片年代最早可追溯至1970年代，当时即时摄影仍是一种创新形式。这批照片展现了 Linda McCartney 身为一名妻子与母亲的细腻观察，亦展现了她作为摄影师的抓拍能力与摄影技术。

  2021年，欧盟将开始大范围禁用一次性塑料产品。艺术图书馆特别策划本次展览，共展出1960-1980年代的约40个塑料袋，回顾早期塑料袋 logo 设计的发展，探讨环境保护、平面设计、新材料开发等话题。

  一次性塑料袋诞生于20世纪中叶，曾是我们正常的生活中必不可少的物品，然而塑料的泛滥引起诸多环境问题。随着全社会对环保的重视，塑料袋将缓慢退出历史舞台。由于商家经常把品牌 logo 印在塑料袋上用于宣传，因此对于收藏家而言，塑料袋又有着独特的文化与美学价值。

  本次展出的塑料袋来自德国私人收藏「Sadecki Collection」，最大亮点是一只1961年的蓝色手提袋，属于德国生产的第一批塑料袋，H 形图案的设计灵感来自当时著名的 Horten 百货店外墙瓷砖。

  杜塞尔多夫美术馆将首次把美国艺术家卡罗尔·邓纳姆（Carroll Dunham）与德国艺术家阿尔伯特·奥伦（Albert Oehlen）的作品放在一起，让他们展开一场“对话”。他们将对作品中反复出现的“树木”主题做出各自的解析。杜汉姆充满动感的作品倾向于描绘树木盛开的景象，而欧伦的作品则是光秃秃的树根占据了整个场景。

  “告诉我关于昨天和明天的事”这一个项目试图将当代艺术与集体记忆结合起来。由德国策展人、维也纳艺术馆（Kunsthalle Wein）前总监尼科劳斯·沙夫豪森（Nicolaus Schafhausen）组织，30多名艺术家将对德国历史的复杂性做出一定的反应，并展示社会激进化是一个怎样的全球性问题。展览将在慕尼黑的文献中心举行，在希特勒的啤酒馆政变失败后，被视为纳粹运动实际首都的慕尼黑引起了更广泛的关注。文件中心建在前“布朗大厦” 的旧址上，这里曾是国家社会党总部。

  1934年，马塞尔·杜尚谈到自己保存零散手稿的「绿盒子」，曾表示「这是一个碎片时代」。在充满剧变的社会中，世界的统一性和整体性均遭到质疑，碎片化似乎是艺术的唯一可行形式。文艺复兴和浪漫主义时期，「碎片」被认为是过去的遗迹，或是未来事物的组成部分，20世纪以来，「碎片」则象征着这个永远未完待续的世界。

  此次特展为《伦敦旗帜晚报》（Evening Standard）的电影评论家、现当代版画及绘画收藏家亚历山大-沃克（Alexander Walker，1930-2003）收藏中所展现的百年艺术史。从巴勃罗·毕加索、亨利·马蒂斯到卢西安·弗洛伊德、大卫·霍克尼和维哈·塞尔敏，沃克，在位于伦敦麦达维尔公寓中沃克收藏了一系列令人惊叹的作品。此次展览由多塞特基金会（Dorset Foundation）支持，将在2020年4月至2021年5月在英国四个城市进行巡展。

  《伊丽莎白一世的舰队肖像画》是为了庆祝1588年英国击退西班牙舰队而绘制，画作通过王冠和珠宝，展现了英国王室的至高权力与女王的威严；女王身后两侧描绘了两幅海景——「英国舰队行驶在平静海面」与「西班牙舰队遭遇暴风雨」，暗喻双方的胜败结果。

  本次展出的3幅画作分别来自沃本修道院、皇家格林威治博物馆和英国国家肖像馆的收藏。修复专家这样认为，沃本修道院收藏的画像来自贝德福德公爵家族，是3幅作品中唯一保留完整海景的版本，但海面上的亮蓝色颜料已出现褪色。

  据悉，本次同台展出3幅《伊丽莎白一世的舰队肖像画》（Armada Portrait），以此呈现画作的细微差别。这是英国历史上最具标志性的画像之一，目前仅存3个版本，是430年来第一次并列展出。

  本次展览聚焦日本传统服饰「和服」（kimono），回顾1660年代迄今和服的发展变化，以及在服装设计、美学观念和社会领域产生的广泛影响。这是全欧洲范围内的首个大规模和服专题展，共呈现超过300件展品，除各个时代的和服外还包括油画、版画、影片及配饰等。

  展览以17世纪中叶的京都作为起点，探索江户时代和服在样式与图案设计上的重要变化，这些变化最终确立了现代和服的基本模式。同样是在这一时期，和服首次出口到欧洲，而来自欧洲的新面料也对日本国内的和服制作产生了影响，展览以此揭示早期全球贸易网络对东西方时尚文化交流的推动作用。

  “特洛伊之战”的战火就是帕里斯的点燃的，他先是在“帕里斯的评判”——由专门寻事生非的女神厄里斯一手策划——当中选择了阿佛洛狄忒，然后他的情欲转到了“奖品”海伦身上，她可是墨涅拉俄斯的妻子、斯巴达的王后。

  特洛伊的故事具有更多意义。神话和历史都是任人揉搓的创造——来自一个世界的语言和图像被重塑，在另一个世界具有了不同的含义和影响。作为“形而上”和“形而下”知识的源泉，特洛伊的故事在古代世界享受了无上的尊崇。历史的脉络可能会突然中断，但故事的传播肯定不会。从许多方面来看，此次展览其实是关于记忆的，关于我们怎么样对待记忆。

  本次展览将展出一批日本纺织设计图像与手稿，呈现艺术家、设计师与出版商的创造力与精湛工艺。这批展品遴选自大英图书馆收藏的日本设计书籍。

  对巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）来说，纸不仅是探索思想的工具，也是蕴含无穷可能性的媒介。报纸、餐巾、装饰墙纸，每一种纸都经他试验。他耗费十年研究版画技术，遍寻古老又稀世甚至远及日本的纸。他对纸充满热忱，不视任何一张纸片为废纸。从毫不费力的图纸到高耸的雕塑，再到巨幅拼贴画《梳妆的女人们》（Femmes à leur toilette），毕加索的纸艺贯穿一生，显示了他不竭的发明创造的动力。

  观众可以在纪录片片段中看到毕加索的创作过程、为《格尔尼卡》所做的研究，以及一些速写本，他在速写画中为日后极具开创性的杰作，如《阿维尼翁的少女》（Les Demoiselles d’Avignon）埋下了第一粒种子。与朵拉·玛尔的书信、插图诗歌、摄影合作，也将引领观众一窥艺术家的生活。沉浸在毕加索的纸艺世界，人们将探寻他如何运用司空见惯的日常材料，探索致远的创造力。

  展览由伦敦大学文莱画廊（Brunei Gallery）与巴斯东亚艺术博物馆（MEAA）合作举办，将展出东亚艺术博物馆收藏的中国古代器皿，时间跨度从新石器时代末（公元前2000年）至19世纪，包括玉器、瓷器、漆器、青铜器和玻璃器等，探索这些器皿的原始功能，回顾中国使用食器与酒器的历史与发展。

  本展是特瑞尔于佩斯举办的第九次个展，展出了他“星座”系列的四件全新作品。受绘画艺术中现象学概念的影响，特瑞尔早期的作品在空间、色彩和感知的感官体验的基础上，着重于光的构建与用光作画之间的辩证关系。这些相互作用成为特瑞尔之后一系列成名作的基础，演变成对光本身非物质性的研究。

  本次展览将展出大英博物馆收藏的法国印象派版画作品，创作者包括马奈（Manet）、德加（Degas）、亨利·德·土鲁斯-劳特累克（Henri de Toulouse-Lautrec）、塞尚（Cézanne）等，回顾19世纪末法国印象派版画的兴起与发展。

  Notgeld，即紧急货币，发行于早期魏玛共和国（Weimar Republic），是第一次世界大战期间和战后德国那段动荡岁月的有力物证。本次展览将展出以各地区地标和民间故事为设计主题的紧急货币，探讨在当时的历史环境下它们在应对国家危机中所起的作用，同时紧急货币又是如何反映出德国国民对故土的态度以及其身份认同。

  莫斯科中央展览中心举办“萨尔瓦多·达利：魔术艺术”主题展，图为人们正在欣赏西班牙艺术家 Salvador Dali 的画作。这是俄罗斯迄今顶级规模的达利展，共展出超过180幅达利作品，涵盖油画、素描、水彩画、版画等，呈现画家从青年时期印象主义至晚年超现实主义的创作历程，重要展品包括《隐形人》、《拉斐尔麦当娜的最大速度》等。

  Atelier E.B是Atelier Edinburgh-Brussels的缩写，这是一个由苏格兰设计师Beca Lipscombe和苏格兰艺术家Lucy McKenzie组成的艺术二人组。他们的作品介于时尚、设计和艺术之间，最近在蛇形画廊（2018）和去年在巴黎的Lafayette Anticipations展出。

  展览展出布尔乔亚一系列早期木质人物系列雕塑，一些用青铜、大理石、石膏、橡胶与纺织物等材料制造成的作品，以及若干绘画与版画作品。同时展出的还有布尔乔亚的数件《细胞/单间/牢房》（Cells）装置，这些作品表达了诸如愤怒、恐惧与寂寞的精神情况与情绪，并唤起了一种关于身体的不安感受。此外，展览还包括了此前极少展出的作品《父亲的毁灭》（The Destruction of the Father，1974），这件作品也被艺术家视作自己最重要的作品之一。这是一件富有剧场性的透景画，评论了专断的父亲形象及其引发的想象性的复仇。

  今年冬天，欧洲首次卡洛斯·阿莫拉莱斯（Carlos Amorales）作品回顾展将在阿姆斯特丹开幕。作为墨西哥最重要的当代艺术家之一，阿莫拉莱斯的职业生涯始于上世纪90年代在阿姆斯特丹格里特·里特维尔德学院（Gerrit Rietveld Academie）和瑞典皇家科学院（Rijksak Ademiein）的学习。展览包括装置、绘画、素描，以及动画和声音作品。

  美国艺术家爱德华·霍普（Edward Hopper）以他安静、充满神秘感的内部装饰绘画闻名。剪裁独特的视角大多呈现宾馆房间、餐厅与办公室中孤立的物件。然而，此次在巴塞尔贝耶勒基金会（Foundation Beyeler）举办的展览却向外眺望，以艺术家的风景画为重点。策展人乌尔夫·区斯特（Ulf Küste）表示，本次展览旨在刻画“美国田园与城市景观无尽的宽阔感”。展览包括了创作于1929年的《铁路日落》（Railroad Sunset）和1940年的《加油站》（Gas）：猩红色的汽油泵旁伫立着一位孤零零的加油站服务员，描绘了不曾线世纪美国经典风光。

  展览展出苏黎世美术馆收藏的约30件意大利素描作品，部分是首次公开展出，时间范围从文艺复兴至巴洛克时代，从素描的角度解读意大利艺术的发展巅峰。

  内瓦阿里亚纳博物馆举办茶壶文化展，通过馆藏的大量精美茶具，呈现五百年来茶壶的风格、装饰、元素和历史。

  反抗的缪斯：上世纪七八十年代法国的德尔菲娜·塞舍尔和女权主义影像艺术小组

  马德里艺术中心博物馆（Museo Centro de Arte）在一场新展览中向历史上的“挑衅缪斯（Defiant Muses）”致敬。展览将探索女性主义艺术影像小组的遗作，以及法国电影、影像和女权主义之间的历史联系。展览将包括艺术品、照片和触及激进主义和女权主义交集的档案文件。观众将了解黎巴嫩出生的法国演员兼电影导演德尔菲娜·塞舍尔（Delphine Seyrig），一位以理想化和成性气质而闻名的活动家。塞舍尔和其他活跃在法国舞台上的电影积极分子一起，为电影成为女权运动的解放工具发挥了重要作用。

  在世界范围内，仅有20幅左右凡·艾克（Jan van Eyck）的作品被保存了下来，然而特别值得一提的是，超过一半的作品在2020年将在根特美术馆（M.S.K Ghent)的“凡·艾克的光学革命”展览中进行展出。

  该展览是凯拉米斯陶瓷博物馆首次为亚洲艺术家举办的个展，也是比利时国内少有的高规格展览。76组、近200件作品勾勒出白明从1995年到2019年的创作历程，是其艺术生涯的一次大型回顾和系统梳理，包括陶瓷、油画、水墨、漆画、雕塑、综合材料和装置等多种类型的艺术作品，全方位展现艺术家在不同时期的主题变化、风格建立及深厚的艺术修养。

  展览展出德国艺术家朱利安·罗斯费尔特的13个频道的电影展览——《宣言》（2015）。在这部作品中，演员凯特·布兰切特（Cate Blanchett）扮演了12个不同的角色，她读着20世纪各种艺术家的宣言。参观者能够正常的看到布兰切特饰演艺术家、诗人、建筑师、演员，亦或是来自达达主义、激浪派和超现实主义运动的电影制作人。

  土耳其概念艺术家艾哈迈德·奥古特（Ahmet Ogut）在巴库的YARAT举办个展，届时他将展示最近委托创作的雕塑和视频作品。奥古特的跨学科实践包括与不同的合作伙伴合作，提出各种复杂的社会问题——从移民到社会动荡，同时他的作品都保持着一种幽默感。

  展览将展出超过24位艺术家的作品，通过雕塑、版画、电影、沉浸式装置，以及舞台布景、冥想空间和互动式作品，带领参观者前往200年后的新加坡，探索未来世界的无限可能，反思气候平均状态随时间的变化对地球造成的影响。

  展览展出超过500件迪士尼动画原稿，包括原画、油画、草稿以及概念设计图等，从1928年的《汽船威利号》、1937年的《白雪公主与七个小矮人》到2013年的《冰雪奇缘》、2016年的《疯狂动物城》，回顾了90年来迪士尼动画的成立与发展。

  展览以小野洋子（Yoko Ono）的一首歌为标题，旨在探讨地域政治。展览包括小野洋子、加拿大裔法国艺术家卡帕瓦尼·基万加（Kapwani Kiwanga）和摩洛哥艺术家阿米娜·本布切塔（Amina Benbouchta）等人的作品。通过现有的作品和全新的委托作品，艺术家们邀请观众去质疑他们的生活环境，并从一个不同的角度看待世界。

  一家澳大利亚的博物馆会如何纪念250年前库克船长抵达澳洲？这次展览的重点是英国海军探险家——或者说入侵者（视观众的视角而定）进行的史诗般的航行。库克的任务是双重的：记录金星凌日（译者注：金星运行到太阳和地球之间，三者恰好在一条直线上时，金星挡住部分日面而发生的天象），并将英国国旗插在“未知的南方土地”上。展览的特色是澳大利亚土著艺术家的作品和非土著人的作品，强调共性和联系，而不是欧洲殖民。

  在印刷技术问世以前的中世纪西欧，以修道院为中心制作的手抄本发挥了基督徒们信仰与知识媒介的作用。2016年，日本学者内藤裕史（Hiroshi Naito）将数十年收集的约150幅中世纪抄本捐赠给国立西洋美术馆（National Museum of Western Art），后者为此举办专题展，本展是它的第2期，介绍15世纪~16世纪西欧地区的抄本。

  此外，本展展品还包括国立西洋美术馆通过日本企业家长沼昭夫（Naganuma Akio）捐赠的资金购得的中世纪抄本。在内藤裕史的提倡下，长沼昭夫也认为日本应该扩大对西方中世纪抄本的收藏数量并提供资金，国立西洋美术馆对此致以深厚谢意。

  展览分为前期（2月4日~3月8日）与后期（3月10日~4月5日），前后展品会有更换。

  本次将展出东京出光美术馆（Idemitsu Museum of Arts）收藏的狩野派绘画，将狩野派可能参考过的古画与他们的作品一同呈现，介绍这一画派的鉴赏与模仿眼力。

  诞生于1888年的一幅梵·高的《向日葵》将离开伦敦，首次在日本展出。这次借展机会是罕见的，因为在近100年里，这幅画只离开过伦敦三次。自1923年开始，这幅画就一直被珍藏在伦敦国家美术馆里。2020年3月，这幅画将跟随其他重量级馆藏，被运送到日本东京的国立西洋美术馆，构成展览“从波提切利到梵·高：伦敦国家美术馆的杰作”。

  通过东京国立近代美术馆（National Museum of Modern Art, Tokyo）的馆藏，展览旨在探讨北脇升通过超现实主义的思想与技巧想要表达的真实意涵。本展认为，北脇升想揭示我们世界背后看不见的法则，展现一个世界观的模型，为此不仅运用了超现实主义，还参考了歌德的自然科学、中国古代易学等。

  本展展出山种美术馆（Yamatane Museum of Art）收藏的所有上村松园作品共18幅，这中间还包括《萤》、《砧》、《牡丹雪》等代表作，此外还会介绍近代日本画中不一样的风格的美人形象，如村上华岳（Murakami Kagaku）《裸妇图》中的女子像佛像般神秘，池田辉方（Ikeda Terukata）《夕立》则生动还原了江户时代町中女子的形象与生活细节。

  另外，德川大阪城的建筑因明治维新大火、二战期间的空隙遭到大量烧毁，但营建当初的千贯橹仍保存至今，从3月1日起特别公开。

  凭借众多造型优雅的玻璃工艺品，René Lalique 开辟了20世纪早期装饰风艺术（Art Deco）的新时代。容易加工又适合量产的玻璃制品从19世纪末迅速普及到人们的日常生活中，在这样的历史背景下，René Lalique 用兼具艺术性与实用性的独特作品，将法国装饰艺术的精神赋予了玻璃工艺。

  本展是美术馆开馆10周年纪念展，主题是19世纪末巴黎纳比派（Les Nabis）描绘儿童的绘画作品，探讨都市生活、近代艺术与「儿童」的关系。在法国波纳尔美术馆（Musée Bonnard，Le Cannet）的支持下，展览呈现的约100件展品包括油画、版画、素描、图书、照片等，艺术家有梵高（Vincent van Gogh）、皮尔·波纳尔（Pierre Bonnard）、莫里斯·丹尼（Maurice Denis）、费利克斯·爱德华·瓦洛（Félix Edouard Vallotton）、爱德华·维亚尔（Édouard Vuillard）。

  身边人物的肖像、风景、静谧的室内——有代表性的丹麦画家威尔汉姆·哈莫修伊（Vilhelm Hammershøi, 1864-1916）默默描绘着这些有限的主题。哈莫修伊的作品深受17世纪荷兰绘画的影响，并因其室内画表现的静谧特征而被誉为“北欧的维米尔”。1990年代以后，巴黎的奥赛博物馆、纽约的古根海姆博物馆等陆续举办了哈莫修伊作品回顾展，令其再次受到世人瞩目。此次展览是日本首次正式介绍以哈莫修伊为首的丹麦绘画杰作。

  在威尔汉姆·哈莫修伊的时代，西方艺术面临巨变：19世纪末20世纪初，传统的现实主义似乎以不足以表现正渗透全欧洲的革命思想。哈莫修伊的绘画传达出一种现代人的复杂心理，另一方面，他的绘画和同样来自北欧的表现主义艺术家蒙克（Edvard Munch）不同，它们更接近伦勃朗与维米尔。他的作品以柔和而怀旧的色调描绘着自己的亲友、室内环境和风景。日前，东京都美术馆的展览“威尔汉姆·哈莫修伊与19世纪丹麦绘画”将展出40幅哈莫修伊的绘画以及其他19世纪的丹麦艺术家杰作，以期对丹麦艺术进行一次较为全面的解读。从19世纪上半叶市民艺术的兴起，到19世纪末的国际化与室内画的涌现，展览呈现了丹麦艺术家们如何远离持续不断的发展的工业化，在遥远的海岸或自己的家中找回平静。

  本展介绍江户时代的5名具有特色的名工——原羊游斋（Harayo Yusai）与柴田是真（Shibata Zeshin）是莳绘师、三浦干也（Miura Kenya）被誉为鬼才陶工、府川一则（Fukawa Kazunori）身为著名浮世绘画家葛饰北斋（Katsushika Hokusai）的弟子转向金工、小林砾斋（Kobayashi Rekisai）将精密工艺发挥到极致。

  本展展出并介绍静嘉堂文库美术馆（Seikado Bunko Museum）馆藏的磁州窑及同系陶瓷器（「磁州窑系陶瓷」），同时还将呈现「曜变天目」（稻叶天目）等宋代陶瓷的精品。

  令和二年（2020年）是日本最古老的正史《日本书纪》编撰1300周年，同时也是日本因为举办奥运会受到世界瞩目的一年。根据《日本书纪》开篇记载的「让国神话」，镇座在出云大社的「大国主神」统治「幽」也就是超出人类能力的世界，掌管诸神与祭祀。与之相对，天皇统治的「大和」是「显」也就是肉眼可见的现实、政治世界。

  展览分为4个章节，设有前期（1月15日～2月9日）与后期（2月11日～3月8日），前后展品将有更换。

  展厅通过照片、影像和模型等物品，呈现艺术家、建筑师对未来的构想，展示时代前沿的城市规划范例。1960年代，日本建筑师黑川纪章、菊竹清训、槙文彦、荣久庵宪司等人发起「新陈代谢」运动，主张从生物学中汲取灵感，建设有机、可持续的城市。随技术的发展，「新陈代谢主义」建筑逐步实现。

  展厅专注于现代建筑的可能性，介绍人类如何利用3D打印机、无人机、机器人等技术，开发新式、环保建筑材料与施工方法，用「新·新陈代谢主义」建筑，实现与大自然的和谐共存。右图为 WOHA 设计的「新加坡绿洲酒店」。

  人类的衣食住行因技术创新而不断改变：电脑建模和3D打印的出现，影响了设计行业的轨迹；人工食品，解决了食物短缺的问题……展厅内陈列着从新技术和概念中诞生的各种产品和设计，为人们探索潜在的新生活方式。

  机器人和生物技术的发展，虽然能帮助人类拓展身体机能、克服无法治愈的疾病，却也引发了伦理问题。展厅将以「人类身体」为讨论重点，考虑人体改造的界限。

  科技的发展促使人类对未来的展望发生改变，甚至颠覆对社会与人类的既定观念。展厅中出现各种对未来的展望，包括机器人保姆、利用多人基因繁育的婴儿等，带领观众重新思考人类、生命和幸福的定义。

  伊藤久三郞（Ito Kyuzaburo），1906年生于京都，12岁入学京都市立美术工艺学校预科，1928年从京都市立绘画专门学校（现京都市立艺术大学）毕业后前往东京发展，活跃于一九三〇年协会、二科会、九室会等。由于战争局势的恶化，伊藤久三郞在1944年回乡，日本战败后就以京都为据点，持续创作梦幻而风趣的绘画作品，被视为京都抽象画的先驱。

  本展以京都府收藏的伊藤久三郞作品为中心，同时展出伊谷贤藏（Itani Kenzo）、福井勇（Fukui Isamu）等与他共同活跃在战后的行动美术协会的画家们的作品。

  对于沙特阿拉伯来说，这种在沙漠上举办的展览是第一次。更何况，这还是一个联合国教科文组织世界遗产的所在地。

  他们准备了十几个特别的艺术装置，这些独特的艺术装置让 ALULA 沙漠，从一个看似荒凉的地方，摇身一变成了极其梦幻的所在。